Los argonautas contemporáneos

Una minuciosa réplica del 'Argo', el navío que transportaba a los míticos Argonautas comandados por Jasón a la búsqueda del Vellocino de Oro, volverá a surcar las olas este verano, después de 3.000 años, en un periplo por el Mar Negro.

Apostolos Kurtis, presidente del Instituto Naudomo para la Investigación de la Construcción de Naves en la Antigüedad, ha explicado los pormenores del proyecto que se desarrolla desde hace cinco años en un astillero de Volos, en la Grecia central.

En ese puerto, a 300 kilómetros de Atenas, los constructores navales se afanan con técnicas manuales de hace miles de años, sin utilizar ayuda mecánica moderna, para resucitar una parte de la mitología griega.

El barco no tiene clavos metálicos ya que en esa época se utilizaba el bronce. El método para ligar las maderas se encuentra descrito por Homero, quien utilizaba mortaja y espigas, aseguradas a su vez con unos 5.000 clavos de madera.

El viaje experimental del 'Argo' partirá este verano desde Volos a Poti, en Georgia, recalando en 17 puertos de Turquía. La nave pasará el invierno en Sochi (Rusia).

Kurtis ha revelado los objetivos que se persigue al construir la réplica de la mítica nave: "El primero es aumentar nuestro conocimiento de cómo el hombre construyendo herramientas pudo controlar el medioambiente y escribir la historia". "El segundo es que pretendemos que Volos tenga su monumento al mito de los Argonautas y al mito del Vellocino de Oro", agrega. Cuando termine el programa -explica Kurtis- el barco será entregado a la ciudad, que ha financiado el proyecto aportando cerca de 900.000 euros, para que lo exponga en un museo.

"Los antiguos tardaron dos meses y medio en la construcción. Nosotros casi dos años". Kurtis asegura también que si las condiciones climáticas acompañan, el viaje se hará en menos de dos meses remando cada día. Los argonautas tardaron cuatro años debido a sus muchas paradas, en las que se enfrentaron a seres fabulosos.

"Jasón partió con 50 príncipes remeros. Para el viaje de este verano se están entrenando ya 120 candidatos y esperamos elegir una tripulación de al menos 200, griegos y extranjeros, que se entrenarán durante cinco meses", asegura Kurtis. En la tripulación también habrá mujeres ya que en el 'Argo' estaba Atalanta, y ya hay 12 candidatas.

Durante el viaje, la tripulación no podrá llevar comida, tal como ocurría con sus antecesores, y dormirán en la playa, tras arrastrar la embarcación a la orilla. "El mito menciona un recorrido diario de 80 a 130 kilómetros, equivalentes a dos o tres maratones con remo en mano" y según las primeras pruebas, la réplica igualará esa velocidad, que se situará entre los seis y los nueve nudos.

Los argonautas contemporáneos remarán durante las horas de luz, y para evitar el cansancio se utilizará un sistema de descanso que permitirá reponer fuerzas ocho minutos de forma rotatoria. Lo que si cambiará algo será el tamaño de la embarcación debido a que la actual tripulación es más alta. El resultado de los estudios antropométricos realizados es que la embarcación tendrá 28,5 metros de eslora, en lugar de los 27,5 metros que se calcula que tuvo la nave original.

El mito cuenta que Jasón, príncipe de Yolcos (actual Volos) viajó a su tierra para recuperar el trono y fue enviado por su tío traidor, Pelías, en busca del Vellocino de Oro a Cólquida (en la actual Georgia) para mantenerle alejado.

Así zarpó Jasón, acompañado de unos 50 príncipes griegos, incluido Hércules, Orfeo y Atalanta, la única mujer, hacia Cólquida. Después de muchas aventuras regresó a Yolkos con el vellocino, una prenda con atributos mágicos que era custodiada por seres monstruosos.

Siete millones de euros

Nada más y nada menos que siete millones de euros es lo que cuesta este violín.

Claro que no se trata de un violín cualquiera. Creado en Crémona por Giuseppe Guarneri Del Jesu en 1743 y conocido como el Carrodus, sólo existen 100 en todo el mundo. Ahora ha sido donado por un anónimo a la Orquesta de Música de Cámara de Australia.

La Scala exige corbata

En la Scala, espejo de la lírica y sobre todo escaparate de la sociedad milanesa, siempre se han cuidado mucho las formas. Ya escribió Stendhal a principios del siglo XIX sobre las costumbres del famoso teatro que, «cuando una mujer se encuentra absolutamente privada de amante, es el marido el que le hace el favor de acompañarla». Eso porque lo normal era ir con la querida y lo sabía todo el mundo. Por no hablar de las comilonas y orgías que se montaban en los palcos, que cerraban sus cortinas si el espectáculo no interesaba.

Además, el público milanés, tan exigente, siempre se destacó en el pasado por sus broncas y lluvias de hortalizas. Hasta el pobre Puccini vio cómo le imitaban rebuznos y ladridos cuando metió sonido de pajaritos en "Madame Butterfly". Bueno, pues ahora la Scala ha escrito en las entradas que «agradece el traje oscuro y siempre el traje y la corbata en las primeras representaciones», además de «vestimenta acorde con el decoro» en las demás sesiones.

Lógicamente ha sonado como lo que parece: una prohibición a entrar sin corbata en la Scala, una norma de club social que no tiene precedentes en ningún otro gran teatro de ópera. Según el diario que ha desvelado el veto, la dirección ha asegurado que no se echará a nadie, sino que se harán «discretos controles». Después, naturalmente, se ha armado el consiguiente debate.

A Darío Fo, voz iconoclasta y protestona de la ciudad, además de premio Nobel, le parece muy mal y discriminatorio. Otros muchos, en cambio, están encantados. Para qué engañarse, la verdad es que a casi nadie se le ocurría aparecer en la Scala sin ir de punta en blanco, porque es a lo que se va, sobre todo la noche de la "prima", y se mira poco menos que como a un peligroso bolchevique al desgraciado que va vestido como al cine. Aunque como ha dicho el ex superintendente de la Scala, Carlo Fontana, «hasta Lenin hizo la revolución con chaqueta y corbata».

Tras el alboroto, el nuevo superintendente, Stephane Lissner, escribió ayer una carta explicativa a la prensa en la que simplemente define como «consejos» las indicaciones de vestuario. Asegura que existen «desde siempre» en la Scala y se han añadido a las entradas «para colmar una laguna de información». Las únicas normas, concluye, son «las del buen gusto».

Las cartas del padre de Ana Frank se publicarán en febrero

Otto Frank, el padre de Anna Frank, la niña judía que escribiera uno de los diarios más conmovedores de la II Guerra Mundial, trató de salvar a su familia de los nazis. En unas cartas (al menos 80) halladas por un investigador estadounidense en el archivo del Instituto para la Investigación Judaica, en Nueva York, quedan patentes sus intentos de salir en 1941 de Holanda.

Primero quiso viajar a España camino de Portugal. Luego pidió un visado para Francia y buscó pasajes de barco con destino a Estados Unidos o bien Cuba. Todo en vano. En 1942, la familia se escondió en la parte de atrás de un edificio de los canales de Amsterdam. Dos años más tarde fueron delatados y deportados a los campos de concentración. Sólo regresaría él del horror. El diario de Anna Frank, encontrado por el propio Otto, fue publicado en 1947 y es uno de los libros más vendidos del mundo tras La Biblia.

La Fundación y el Museo que llevan el nombre de la muchacha en la capital holandesa, han asegurado que conocían sus intentos de escapar del Holocausto. Si no lo logró, posiblemente fuera porque la suerte de los judíos no se consideró un asunto urgente al principio de la contienda. El descubrimiento de las misivas se ha mantenido oculto desde 2005, mientras se solucionaba el problema de los derechos de autor para su publicación, que según la revista Time se publicarán en febrero en Estados Unidos.

Buscar cultura en la red

La revista cultural Dosdoce y el Grupo Evoluziona han presentado en el centro Conde Duque de Madrid (España) un buscador y un agregador de noticias. Ambas herramientas, que se complementan, pretenden facilitar la búsqueda cultural entre la maraña de información en la que se ha convertido Internet. El buscador, integrado en la propia web de la revista, rastrea entre los contenidos publicados en 3.000 sitios web y otros 150 blogs culturales de España.

Diseñado con la plataforma de Google Co-op, pretende facilitar información sobre un determinado libro, escritor, editorial o librería. La búsqueda se realiza exclusivamente entre las páginas de la base de datos que han elaborado. En febrero, pretenden añadir otras 2.000 web de museos, galerías de arte y un número extra de blogs de libros y literatura. La cantidad y calidad de los sitios no es fija, cada cierto tiempo se actualiza la base de datos y permite la participación de los navegantes con sus sugerencias de nuevos sitios. En cuanto al agregador cultural, la selección de los que forman parte de este agregador, que no pretende ser un ránking, ha seguido una serie de criterios. Las bitácoras personales seleccionadas se dedican a hacer reseñas de libros o recogen artículos de opinión sobre el sector editorial. También se pretende que sean originales, innovadores, "que no se limiten a cortar y pegar las críticas que aparecen en periódicos y revistas dominicales", añade Javier Celaya, editor de Dosdoce y del blog Comunicación Cultural. En cuanto a la temática, los hay de todos los géneros, novela, cómics, historia... La lista de los 50 se revisará de forma periódica, incluyendo nuevos diarios o dando de baja a otros. La herramienta permite personalizar el agregador al gusto de cada cual, añadiendo blogs que no aparezcan en el listado. Lo que no hay son blogs de contenido literario, de autores o relatos. "Pretende ser una guía a editoriales y lectores", recuerda Celaya.

"Los blogs lo han cambiado todo. Antes, las editoriales enviaban sus novedades a los medios de comunicación y éstos los daban a conocer al gran público. Hoy, aunque esto sigue valiendo, no podemos olvidar Internet y la opinión de los blog", advierte Celaya. Una mala crítica en la Red puede hacer mucho daño o unos buenos comentarios en una bitácora respetada en la Red puede levantar las ventas. "El problema es que a muchas editoriales aún les cuesta abrirse y aprovechar las posibilidades que les ofrecen las nuevas tecnologías. Muchos escritores estrella no quieren bajarse a la arena y relacionarse con los lectores", se lamenta Celaya.

K rap2, vdd?

Si los jóvenes de los ochenta y noventa vivían pegados al teléfono, la Generación Messenger vuelve a usar el lenguaje escrito. Pero con una salvedad: la nueva lengua combina la escritura y el lenguaje oral. Las casi dos horas diarias que chatean los niños constituyen "un auténtico fenómeno social", según fuentes de Microsoft, cuyo Live Messenger acapara el 95% de usuarios. Y es que uno de cada cinco minutos consumidos en internet se emplea en este chat.

Para Carlos, un chico de 13 años de Madrid (España), es una forma de comunicación "rápida y permite hablar con varias personas a la vez" y mis padres "no lo entienden". El sistema ofrece la posibilidad de elegir los contactos a la carta, es decir, elegir con quién se habla. Y sin embargo, la mayoría de menores tiene desconocidos en su lista de contactos.

Joana, de 14 años, afirma tener más de cien contactos, muchos desconocidos en la vida real. Su madre, Gemma, que es además profesora, entiende que el Messenger es "una realidad de nuestros hijos, ante la que no queda más remedio que adaptarse". Añade que no tiene por qué causar problemas de ortografía, ya que la mayoría de chicos "sabe distinguir entre un escrito para el colegio y un chat con amigos".

Para Concha Badía, profesora de Lengua y responsable del primer diccionario de mensajes Exo x ti y xra ti, los jóvenes se han contagiado del lenguaje de la mensajería instantánea que ha "provocado la aparición de frases más sencillas, errores ortográficos, ausencia de puntuación y un vocabulario más simple".

Álex Grijelmo, autor de La gramática descomplicada entiende que este lenguaje no daña la capacidades escritas al igual que "la taquigrafía nunca perjudicó a la escritura (...) ni alteró la ortografía de ninguna lengua". Lo importante, continúa, "es que quien escribe con abreviaturas sepa cómo se representa realmente esa palabra en los libros y cómo debe reproducirla, de modo que quien lo lea pueda disfrutar de él y no padecerlo".

Según un estudio elaborado por la Universidad de Toronto, no asistimos a un asesinato del lenguaje sino más bien a un renacimiento lingüístico particular. Sali Tagliamonte, directora del estudio, lingüista y madre de cuatro hijos ha estudiado las conversaciones online de 71 chicos de entre 15 y 20 años. Sus principales conclusiones muestra como el lenguaje empleado en el Messenger es sólo una pequeña representación de la capacidad total de expresión. En realidad, los jóvenes entrelazan diferentes niveles de construcción lingüística: las expresiones informales que no serían aceptadas, por ejemplo, en un examen, se combinan con otras mucho más formales, que no emplearían en sus conversaciones habituales con amigos. Tagliamonte afirma que antes de matar al mensajero, los padres "deberían preocuparse de con quién hablan sus hijos, no del lenguaje que usan".

Los museos de Nueva York ensalzan el cómic

Varios museos de Nueva York celebran durante estos días exhibiciones sobre cómics y caricaturas, reflejo de cómo las instituciones aprecian cada vez más el valor artístico de estas disciplinas y su influencia en las artes visuales.

El ejemplo más resonante es la primera gran retrospectiva museística del cómic estadounidense que exhiben conjuntamente el Museo Judío de Nueva York y el Museo de Newark, ubicado en esa ciudad del colindante estado de Nueva Jersey.

Titulada 'Masters of American Comics', se trata de la exposición más completa en su tipo, al reunir 600 trabajos de catorce artistas del cómic, incluido Robert Crumb, creador del Gato Fritz y ampliamente conocido como el padre del cómic 'underground'.

Organizada cronológicamente, el Museo de Newark presenta una primera parte que comprende tiras cómicas de la primera mitad del siglo XX, mientras que el Museo Judío echa un vistazo a los libros de cómic e historietas más influyentes desde 1950.

La muestra aspira a "promover el entendimiento del cómic como una forma de arte", esto es, a que se le deje de ver solamente como un producto de la cultura de masas o un medio de entretenimiento y se le reconozca un valor que va más allá del comercial. "La Historia del cómic es, en definitiva, la Historia de EE.UU. en el siglo XX. Los acontecimientos sociales y políticos de este país son examinados aquí de una manera tan artística e inteligente como en cualquier otra forma de representación visual", según Ruth Beesch, subdirectora de Programas del Museo Judío.

Entre los maestros del cómic que agrupa la exposición están Chester Gould (1900-1985), creador de 'Dick Tracy'; Charles M. Schulz (1922-2000), autor de 'Peanuts' -la tira cómica de Snoopy-, y Winsor McCay (1869-1934), pionero del cine animado. También se incluye al artista autodidacta Chris Ware (1967), quien fue invitado a la bienal del Museo Whitney del 2002, lo que refleja la permeabilidad del cómic en el ámbito museístico.

Otro artista del cómic en la muestra es Jack Kirby (1917-1994), que junto a Joe Simon creó la patriótica historieta 'Capitán América' y algunos de los más populares superhéroes de la editorial Marvel, como Hulk y Los Cuatro Fantásticos.

El boom del cómic también se refleja en la muestra 'Africa Cómics', actualmente en el Studio Museum de Harlem, el único museo de Nueva York dedicado a artistas afroamericanos. La exposición, el primer sondeo del cómic africano en EE.UU., reúne a 35 artistas que utilizan este medio para expresar la furia y la desesperación, pero también la esperanza y el humor, de la vida diaria de África.

El mes pasado, la galería Southfirst, ubicada en el condado neoyorquino de Brooklyn, presentó un apropiado complemento a esta muestra, titulada 'Caricaturas y dibujos animados políticos de Nigeria'.

Mientras, el Museo y Biblioteca Morgan y el Museo de la Ciudad de Nueva York albergan la retrospectiva del artista del cómic Saul Steinberg (1914-1999), cuyas ilustraciones y caricaturas iluminaron las páginas de la revista New Yorker seis décadas.

El Museo de Arte Moderno (MoMA) ofrecerá una visión fresca en su venidera exposición 'Comic Abstraction', que explora cómo los artistas han transformado el léxico de la historieta, la caricatura y la animación en un modo de representación nuevo que define como "abstracción del cómic". Entre los artistas incluidos en esta exhibición, que se inaugurará en marzo, están el venezolano Arturo Herrera y la brasileña Rivane Neuenschwander, así como las conocidas artistas radicadas en EE.UU. Ellen Gallagher y Julie Mehretu.

El Museo Nacional del Cómic, mientras, reabrirá sus puertas en la primavera en su nueva y más amplia sede en el rascacielos Empire State, en la Quinta Avenida, la zona donde justamente nació la industria de la historieta en EE.UU.

Semáforos rotos por obras de arte

En las plazas y calles principales de la mayor ciudad norteña albanesa de Shkodra se van a instalar obras de arte para imponer disciplina en la circulación de coches y personas, que reemplazarán los semáforos rotos que desde hace años no funcionan.

Esta iniciativa original ha sido propuesta por un grupo de artistas, pintores, escultores, arquitectos y urbanistas locales al alcalde de la ciudad, Artan Haxhi, quien ha dado el visto bueno.

El proyecto tiene por objetivo embellecer las plazas con obras de conocidos artistas albaneses y ordenar el tráfico en cruces de carreteras de gran flujo de vehículos y transeúntes. En la entrada de la ciudad está prevista la construcción de una obra artística en forma de un triángulo que representará la primera moneda antigua de la ciudad donde se destaca su viejo nombre, Scodrinon.

En medio de la plaza central está previsto construir una plataforma de 1,5 metros de altura en la que se verá un plano de la ciudad en la década de los 30 del pasado siglo. En otros cruces de calles muy frecuentadas se van a erigir elementos de viviendas tradicionales de la zona así como retratos de personalidades conocidas históricas y culturales de la ciudad, que tiene miles de años de edad.

Shkodra, situada en el lago del mismo nombre y cerca de la frontera con Montenegro, experimentó un crecimiento económico a mediados de los años 90 debido al mercado negro de petróleo que se practicaba entre Albania y Serbia durante el embargo impuesto a este último país por las Naciones Unidas. Actualmente, la ciudad es una de las más pobres de Albania, lo que entre otras cosas se manifiesta en que el suministro de energía eléctrica falla entre 10 y 12 horas diarias.

'Mona Lisa' falleció en un convento de Florencia en 1542

La modelo en la que se basó Leonardo da Vinci para pintar su famosa 'Gioconda' o 'Mona Lisa' que se expone en el Museo del Louvre de París, Lisa Gherardini, murió el 15 de julio de 1542 a los 63 años en el convento de Santa Úrsula de Florencia. Así lo ha asegurado el profesor italiano Giuseppe Pallanti, quien dice que encontró esos datos cuando consultaba unos documentos que se conservan en un archivo de Florencia.

El convento en el que murió la mujer pertenece actualmente al Estado italiano y está abandonado, precisa Pallanti. El hallazgo confirma, según el experto, que la modelo en la que se inspiró Da Vinci (1452-1519) era la esposa del comerciante florentino Francesco del Giocondo, de donde viene el nombre de 'Gioconda', como defendía Pallanti en un libro publicado hace dos años.

El documento encontrado por el investigador es un registro de fallecidos de la parroquia de San Lorenzo escrito en italiano. En él se señala que la mujer, viuda y enferma, pasó los últimos años de su vida en el convento, donde fue asistida por una monja de nombre Lucía, tal y como había dispuesto su marido.

El escrito cuenta además que en el funeral de Lisa Gherardini participó todo el capítulo de la parroquia de San Lorenzo, lo que manifiesta su notoriedad pública. La misma investigación desvela que la mujer habitó en una casa frente a la de la familia de Leonardo da Vinci, en la calle Ghibellina de Florencia.

Gherardini provenía de la burguesía rural de Florencia y se casó con Del Giocondo, que por su actividad comercial se relacionaba con el padre del artista, el notario Piero da Vinci.

Pallanti también ha descubierto en sus indagaciones un escrito que refleja un préstamo de dinero entre Del Giocondo y los monjes de la Santísima Anunciata redactado por Piero da Vinci en 1470.

La 'Gioconda', realizada entre 1503 y 1506 en Florencia, es una de las pinturas más famosas del mundo y la identidad de la modelo y el significado de su expresión han generado interpretaciones y leyendas de todo tipo.

En vida de Da Vinci ya se barajaba la posibilidad de que la identidad de la Mona o Monna Lisa fuera la de Lisa Gherardini.

La mujer de sonrisa enigmática fue pintada en óleo sobre tabla de álamo mediante la técnica del "sfumatto", que consiste en difuminar los contornos de la figura, lo que propicia una sensación tridimensional y su inmersión en el paisaje que la rodea.

Otra forma de arte literario, La Pluma Eléctri*k

En un pequeño rincón del mestizado barrio de Lavapiés (Madrid, España) la delgada línea que separa arte y literatura se torna casi invisible. El arte lo es todo. Aquí donde un carro de la compra se convierte en expresión, aquí donde la 'basura' alcanza su derecho de ser convertida en arte literario.

Es en esta casa-taller-museo viviente —como ellos lo definen— donde Diego Vasko, un porteño adoptado por Madrid, y Aïda Gómez, una madrileña adoptada por Lavapiés, dieron forma hace ahora dos años al primero de sus libros-objeto, alumbrando con él a La Pluma Eléctri*k, una editorial artesanal y literaria que crea libros cuyas portadas, hechas a mano, son únicas e irrepetibles.

Un billete de metro, un viejo módem, un bote de champú, un roído vaquero o una caja de un invernal medicamento le sirven a esta pareja de vanguardistas para fabricar cada nueva portada en su constante búsqueda de la experimentación con todo tipo de materiales, con el fin de que cada obra resulte original, irreverente, delirante y creativa.

Ambos, pero de forma individual, fabrican cada portada, y, aunque admiten comentarios del otro, reconocen que es mejor que sea algo particular: "Alguna vez nos hemos metido en el trabajo del otro, y no resultó bueno", afirma Aïda, la chica 'agitadora' de La Pluma, cuyas creaciones minimalistas y sensibles son fáciles de reconocer. "Cada creación nace de un momento, de un estado y una sensación, y cuando llega, llega, y no se puede pretender que nos ocurra al mismo tiempo", comenta Diego, este joven escritor que convierte cada palabra en movimiento.

Cada uno de los casi 500 ejemplares fabricados alberga en su interior uno de los 11 imaginativos y provocadores relatos escritos por Diego, que usa el delirio y la locura en cada una de sus obras, en un intento de reclamar así su "derecho a la locura".

'Bailando en la jungla de cemento', 'La desagradable condena de una mariposa fea', 'Recuerdos de mi primera muerte' o 'El hombre sin sentido', entre otros, son narraciones que distan mucho de los 'best-sellers' comerciales que masifican las estanterías de las medianas y grandes librerías, donde la literatura actual rezuma grandes dosis de comerciales criterios como marketing, ventas, rentabilidad o beneficio. Sin embargo, con cada obra de La Pluma Eléctri*k, que lucha por convertirse en un movimiento y un rasgo generacional, se es poseedor de un instante irrepetible, de un momento en el que el talento, la creatividad, la imaginación, la locura, la provocación y el arte se aunaron para dar vida a cada libro sin clon, a cada portada sin par.

Estas piezas únicas de la literatura y el arte ya no sólo se venden en librerías de Madrid, Santander, Vigo, Bilbao o Barcelona, sino que han traspasado fronteras geográficas, las únicas que les restaban, y gozan de gran éxito en la 'hipermoderna' Berlín.

Ahora, con motivo de su segundo aniversario, que se cumplirá el 19 de febrero, La Pluma Eléctri*k organiza una serie de actividades en la capital, como una exposición de nuevas creaciones en Traficantes de Sueños, una librería sita en la calle Embajadores 35, o la presentación de su programa de radio, del que se ocupa Aïda, que estrena una nueva forma de emisión a través de la Red.

Con cada una de sus acciones, sus creaciones y sus nuevos e ilimitables proyectos, los padres de La Pluma Eléctri*k proponen, como ellos afirman, "el delirio como acción, la imaginación como guía y la locura como motor creativo".

Exposición sobre el poeta y artista William Blake

Cuando se cumplen 250 años de su nacimiento, la obra del poeta, pintor y grabador inglés William Blake continúa influyendo en artistas de todo el mundo, cautivados por sus ideas sobre el poder de la imaginación y el potencial del arte para el cambio social.

De la cantante Patti Smith a Tracy Chevalier, pasando por el también novelista Philip Pullman, son muchos los creadores que aún se inspiran en sus trabajos, como demuestra la exposición 'William Blake: bajo su influencia', que acoge la Biblioteca Británica hasta el 21 de marzo.

El cuaderno que Blake (1757-1827) utilizó para escribir dos de sus poemas más famosos, 'Londres' y 'El tigre', es la joya de esta muestra, que arroja luz sobre la forma de pensar de un artista que logró fundir arte y literatura en un solo género.

Nacido en el seno de una familia religiosa de clase media, tuvo desde pequeño visiones casi místicas que se reflejarían en su obra, como el árbol lleno de ángeles "adornando con destellos cada rama" que vislumbró en el deprimido barrio londinense de Peckham.

Formado como grabador y posteriormente en la Real Academia de las Artes, Blake elaboró una serie de libros conocidos como "iluminados" en los que acuñó su percepción fabulosa y casi metafísica del mundo, frente a las ideas contemporáneas sobre religión y sociedad.

Entre ellos destacan 'Canciones de inocencia' (1789) y 'Canciones de experiencia' (1794), así como 'Milton: un poema', en el que rinde homenaje al escritor del siglo XVII John Milton, cuya épica 'Paraíso Perdido' desafió la tradición judeo-cristiana al narrar la caída de Adán y Eva como una historia de redención, desde una perspectiva protestante y pagana con Satán de protagonista.

Además de ediciones originales de algunas de estas obras, la exposición exhibe algunos de los volúmenes que Blake ilustró para otros autores, como 'Historias originales de la vida real' (1796), de la pionera feminista Mary Wollstonecraft.

A través de su mecenas, Josep Johnson, en torno a 1780 el artista entró en contacto con los círculos radicales de Londres y se sintió especialmente inspirado por el trabajo del intelectual revolucionario Tom Paine, que escribió 'Los derechos del hombre' (1791) y apoyó las revoluciones francesa y estadounidense.

Al verse perseguido por sus ideales libertarios, Blake optó por plasmar sus deseos de cambio en sus obras y, según algunos autores, el misterioso poema de 'El Tigre' encapsula la furia y el miedo desatados por la inhumanidad de la revolución industrial.

"Responder a la injusticia del mundo a través de mis canciones es algo que aprendí muy pronto de Blake. Es algo que le debo", confesó la poeta y cantautora estadounidense Patti Smith en una conferencia pronunciada en Londres el pasado noviembre. Su canción 'My Blakean year', incluida en su último álbum y cuyo bosquejo manuscrito puede verse en la exposición, está dedicada al artista, que también inspira la próxima novela de Tracy Chevalier, 'Burning bright', que se publicará en marzo.

Otro autor que confiesa haber 'robado' ideas de Blake es el inglés Philip Pullman, quien se inspiró en el evocador poema 'Niña perdida' para crear a Lyra, la protagonista de 'El catalejo lacado'.

La influencia del genial artista también llega a la música clásica, como se aprecia en las composiciones del autor británico Benjamin Britten, cuya partitura original para la 'Sinfonía de primavera' puede verse en la muestra.

La Biblioteca Británica ha puesto a disposición del público una versión digital del cuaderno de Blake, al que puede accederse a través de www.bl.uk/onlinegallery/ttp/ttpbooks.html.

'Puta Arte'

La nueva colección otoño-invierno 2007 de la marca de ropa de las prostitutas de Río de Janeiro, Daspu, que se presentará próximamente, popularizará las obras inspiradas en las profesionales del sexo, según ha indicado su portavoz, Flavio Lenz.

Titulada 'Puta Arte', la nueva colección será presentada el 19 de enero en un callejón adyacente a la Plaza Tiradentes, en pleno corazón de Río, donde las prostitutas de Daspu “hacen la calle”. La celebración del evento se hará de manera paralela a la clausura del gran desfile de moda de la ciudad, el “Fashion Rio” para luchar contra los prejuicios y estigmas que existen hacia las prostitutas y su profesión. Todas las piezas de la colección son obras realizadas por artistas brasileños y extranjeros y están inspiradas en las “artes” de las prostitutas, “las de ofrecerse a los ojos, a los deseos, a los fantasmas y al tacto”, ha indicado Lenz.

La colección ha sido elaborada por Gabriela Leite, ex prostituta, creadora de la marca Daspu, lanzada por ella y por un responsable de la ONG de prevención del sida y defensa de los derechos de las prostitutas Davida, que atiende a 4.500 profesionales del sexo en el estado de Río. “La colección ha sido elaborada por Gabriela y diseñada por Sylvio de Oliveira”, ha indicado Lenz, a su vez marido de Gabriela.

Pintadas o fotografiadas, grabadas o presentes en las letras de las canciones, las prostitutas siempre han sido un tema de inspiración muy utilizado por artistas como Toulouse-Lautrec, Borges, Gauguin, Picasso, Otto Diz o Lasar Segall. “Algunas de sus obras aparecen en las camisetas, vestidos, blazers, faldas, pantalones y leegings de la nueva colección”, añade. En la colección se apuesta por los colores blancos y negros y los tonos en azul, rojo o amarillo. Las faldas son ceñidas y los pantalones anchos en su parte inferior. Entre los detalles abundan el oropel, las lentejuelas y los pequeños volantes.

Más de veinte maniquíes desfilarán y entre ellas habrá prostitutas reales pero también amigos de la causa. Todos juntos bailarán al ritmo de la samba y del funk. El desfile estará realzado con proyecciones de pinturas, grabados, películas y videoclips acerca de los artistas y cantantes que han inspirado la nueva colección de Daspu. El nombre de la marca tampoco es casual y es un juego de letras. Daspu une la primera sílaba de Daslu, la boutique más lujosa de Brasil, y la primera de la palabra “putas”.

Calles con nombre de mujer

A finales de los años 60, aparece en los barrios deprimidos de Filadelfia y Nueva York una nueva forma de arte, que daría lugar a una tribu urbana de jóvenes artistas llamados a hacer de las calles sus particulares museos. Había nacido el 'graffiti'. Arte para algunos, vandalismo para otros, esta explosión callejera se percibe como una actividad principalmente masculina. Sin embargo, ellas dominan el 'spray' tan bien o mejor que ellos. El diseñador y escritor alemán Nicholas Ganz abre las puertas de este mundo desconocido con 'Graffiti Mujer. Graffiti Urbano de los cinco continentes', un repaso por las mejores obras del 'street art' femenino. Publicado por la Editorial Gustavo Gili.

Paradójicamente, fue en los inicios de este movimiento urbano cuando la presencia femenina ganó terreno. Lady Pink, Bárbara 62, Charmin, Eva 62, Stoney, Grape I 897, TNT, Toni o Swan son algunas de las primeras mujeres que desafiaron el coto masculino del mundo del 'graffiti'.

Una de estas pioneras fue Charmin, conocida por sus actuaciones heroicas. Esta 'graffitera' marcó tendencia al ser la primera mujer en estampar su rúbrica en la estatua de la Libertad. Otra de sus hazañas consistió en tatuar con su firma los lavabos de un instituto masculino de El Bronx.

Sin embargo, aunque la historia del arte urbano recoge muchos capítulos protagonizados por mujeres, no se conoce demasiado sobre las escritoras callejeras. Es por ello que el pintor Nicholas Ganz (alias 'Keinom') ha querido brindar con 'Graffiti Mujer' un homenaje a la obra de más de 125 mujeres 'graffiteras' de todo el mundo.

A través de los testimonios y obras de las artistas, el autor realiza un recorrido por lo más destacado del 'street art' internacional actual sin olvidar a los grandes hitos, como Lady Pink de Nueva York o Mickey de Amsterdam. También hay lugar para españolas como: Malicia, Makoh, Yolie, Den, Lahe y Yubia.

El mundo de las pintadas se ha movido siempre entre lo cultural y lo político. En el caso de las artistas callejeras, esta filosofía, en muchas ocasiones, desaparece absorbida por un matiz más feminista, como se observa en los diferentes iconos de mujeres que representan las pintadas.

Las reivindicaciones feministas no sólo se aprecian en sus obras, también los seudónimos que utilizan para firmar sus trabajos responden a ese empeño de romper con la concepción de que el 'spray' es algo de hombres. Así encontramos apodos como el de Lady Pink (Dama Rosa) o el de la estadounidense Erotica67.

Aunque otras 'graffitteras', como la americana Swoon, autora del prólogo de 'Mujer Graffiti', no hace nada que pueda tener la distinción de 'femenino' ni lleva puesta la etiqueta de 'Lady ... No sé cuántos'. "Sé quien soy. Siempre lo he sabido. He podido escoger mi camino sin encontrarme atada por mi sexo. No quiero reproches, ni tampoco aplausos, no los necesito".

Con connotaciones feministas o sin ellas, y a pesar de que no todas han encontrado piedras en el camino, lo cierto es que, generalmente, las pintoras de paredes han tenido que pelear para superar esa posición inferior con respecto a sus compañeros de paredes,...

...que las alejaba de los trabajos más prestigiosos como el de pintar trenes.

Literatura clásica china

Escolares chinos recitando una selección de los analectos de Confucio en chino e inglés en el lanzamiento de una edición de 100 volúmenes de literatura clásica china en Pekín.

El Estado ha subvencionado la edición de textos que van desde el periodo de los Estados Guerreros (477-221 B.C) hasta el siglo XIX con la traducción al inglés y al chino moderno.

Dante Alighieri tenía un rostro 'más humano'

La Facultad de Ingeniería de Bolonia (noreste) ha presentado un estudio en el que se muestra el verdadero rostro del poeta italiano Dante Alighieri, lejos de la histórica imagen que le representaba con una nariz aguileña y barbilla prominente.

El diario 'La Repubblica' presenta el estudio de la Universidad boloñesa en el que se prueba que el llamado "perfil de Dante" es un falso histórico y que el poeta (1265-1321) tenía una cara "más humana", más redonda y con una nariz grande, torcida pero no aguileña.

Los expertos han reconstruido la cara de Dante partiendo del cráneo del poeta encontrado en 1921 y gracias a las nuevas tecnologías han podido mostrar una imagen en el ordenador del nuevo rostro, y han construido un busto de arcilla con los "verdaderos" rasgos del autor de 'La Divina Comedia'.

"Hemos restituido a Dante su verdadera humanidad. Hasta ahora, los retratos que existían eran más una representación psíquica que real", explica al diario 'La Repubblica' uno de los autores del estudio, el antropólogo Giorgio Gruppioni.

En la nueva reconstrucción, los antropólogos indican que el estudio del cráneo excluye una nariz aguileña, que más bien estaba torcida y que tenía unos rasgos más redondeados y menos angulosos.

En la imagen del ordenador, la barbilla de Dante es grande pero no tan pronunciada como se creía y la frente alta y cuadrada. Hasta ahora, la iconografía que se tenía de Dante era la de los cuadros de Botticelli y de Giotto, donde se veía una gran nariz aguileña y recta en una cara alargada.

Incluso su primer biógrafo, Giovanni Bocaccio, lo describía en sus escritos como "de mediocre estatura, tenía la cara alargada y la nariz aguileña, las mandíbulas grandes y el labio inferior tan saliente que poco del superior sobresalía". (Retrato de Dante que escogieron los italianos para la moneda de dos euros, por ejemplo.)

La nueva reconstrucción coincide con el descubrimiento realizado en el 2003, cuando en un antiguo palacete de Florencia salieron a la luz unos frescos que representaban un retrato de Dante Alighieri con la piel muy morena y la nariz larga, pero no encorvada.

Polémica con el Louvre

El acuerdo que el Gobierno francés negocia con las autoridades de Abu Dhabi para la construcción de un Museo del Louvre es objeto de polémica en el país, con un debate cuyo telón de fondo es hasta qué punto un referente cultural de primer orden puede ser objeto de tratos mercantiles.

Los diarios 'Le Figaro' y 'Libération' dedican sendos reportajes al proyecto de construcción de un Louvre Abu Dhabi, que podría abrir sus puertas en 2012.

Delegaciones francesas y del emirato han intercambiado visitas en las últimas semanas para culminar un acuerdo por el que el famoso museo de París cederá su marca a un centro cultural en el país del Golfo.

El proyecto de contrato es confidencial, aunque 'Libération' apunta que Francia podría recibir unos 500 millones de euros a cambio no sólo de permitir el uso de la marca Louvre, sino también de asesoramiento de sus técnicos a los del emirato durante varios años para la constitución de colecciones artísticas, la conservación y gestión de museos.

La protesta la ha encabezado una antigua responsable del organismo que supervisa todos los museos públicos de Francia, Françoise Cachin, quien hace algunas semanas escribió un artículo en 'Le Monde' con el descriptivo título de "Los museos no se venden".

Conservadores de museos e historiadores del arte han secundado ese movimiento de rechazo con su firma en manifiestos y no ocultan su preocupación porque el acuerdo sea con un país sin tradición desde el punto de vista artístico.

Un elemento para la reflexión que aportan los críticos al proyecto es la vinculación del mismo al hecho de que Abu Dhabi es un importante socio comercial al que en los diez primeros meses de 2006 Francia ha exportado por valor de 2.757 millones de euros, con especial incidencia en el sector aeroespacial.

Frente a esta visión la actual directora de Museos de Francia, Francine Mariani-Ducray, ha respondido a su antecesora con garantías de que el acuerdo no irá en menoscabo del Louvre y que se basará en asesoramiento y en el préstamo puntual de algunas obras, algo habitual entre todos los museos del mundo.

El ex ministro de Cultura socialista Jack Lang sale en defensa del proyecto en 'Libération' y critica a "una minoría de personas que practica la apropiación cultural y moral y que quiere reservar las obras de arte para una población restringida".

'Le Figaro' dedica al asunto un editorial en el que recuerda que en 1963 el intelectual y político André Malraux, cuando era ministro de Cultura, envió a EE.UU. 'La Gioconda', la obra más emblemática del Louvre y subraya que los grandes museos tienen "una misión respecto a todo el país y una vocación internacional, porque las obras son patrimonio mundial de la Humanidad".

El Louvre de París, que cuenta con cerca de ocho millones de visitantes al año, cedió su marca al High Museum de Atlanta (EE.UU.), que ha dado ese nombre a un ala del centro. Asimismo, está en construcción en Francia un Museo Louvre de Lensa y el Centro Pompidou inició hace unos meses las obras de su sucursal en Metz.

Hallan el manuscrito de un tratado de ajedrez perdido desde el Renacimiento

La Fundación Palazzo Coronini Cronberg de Gorizia ha anunciado el descubrimiento de un tratado de ajedrez del matemático italiano Luca Pacioli, su manuscrito más buscado, considerado una joya del Renacimiento.

El bibliófilo e historiador Duilio Contin es el autor del hallazgo de la obra, que data de finales del siglo XV o principios del XVI. Existían numerosas referencias a «Il codice degli scachi» o «Juego del ajedrez», también conocido como «Schifanoia», pero el libro, dedicado a la marquesa de Mantua, Isabella d"Este, se ha considerado perdido durante 500 años. El estudio de la filigrana del papel y el examen paleográfico dan fe de su autenticidad, avalada por el dictamen de Enzo Mattesini, profesor de Lingüística de la Universidad de Perugia y experto en la obra de Pacioli.

El manuscrito, de 48 páginas, no está firmado, pero las investigaciones han podido determinar la autoría de Fray Pacioli, uno de los grandes matemáticos de la época. El libro, dedicado íntegramente al ajedrez (se sabe que Pacioli escribió otro más general sobre los juegos), contiene partidas y numerosos problemas, con finos dibujos de las piezas en rojo y negro, lo que ha llevado a pensar en la participación de un importante artista. La amistad de Pacioli con Leonardo da Vinci y el hecho de que el libro pudiera estar escrito en la época en la que ambos trabajaron juntos, a finales de 1499, ha desatado las elucubraciones.

El historiador José Antonio Garzón -autor de «El regreso de Francesch Vicent», obra en la que demostraba que el último gran cambio en el juego de reyes, la creación de la figura de la reina, tiene origen en Valencia (España)- destaca el descubrimiento de este «tesoro renacentista». Garzón es escéptico, sin embargo, sobre la posibilidad de que los dibujos provengan de la mano de Leonardo, «aunque en Italia ven más factible esta sugerente hipótesis».

En cualquier caso, «Il codige degli scacchi» no sólo tiene gran importancia en sí mismo, incluso sin la participación de Da Vinci, sino que además es una de las primeras obras dedicadas de forma íntegra al ajedrez moderno, el que se ha jugado prácticamente sin variaciones en los últimos cinco siglos.

José Antonio Garzón, que ha tenido acceso directo a dos páginas del manuscrito, declara que aunque fuera una obra de 1508, como sospecha, «se trataría de uno de los primeros documentos del ajedrez moderno y, desde luego, el primero en Italia -el más antiguo, de Francesch Vicent, es español-, justo en el periodo de transición en el que convivieron ambas modalidades».

Luca Pacioli nació en 1445 y murió en torno a 1517. Estudió teología e ingresó en la orden de los Franciscanos en 1470. Impartió clases de aritmética y álgebra. Su obra más conocida es «De divina proportione».

Una Virgen escandaliza a los EE.UU.

Una polémica escultura en donde se representa a la angelical Angelina Jolie como la madre de Jesús, abrirá mañana la Feria de Arte de Miami. La pintora Kate Kretz pretende mostrar cómo la cultura moderna glorifica a los famosos de la misma forma en que la Biblia hace culto a la Virgen María. Para ello, ha elaborado un polémico cuadro, en la que la bella Angelina Jolie aparece como la madre de Jesús.

Según comenta, escogió a Angelina porque constituye uno de los personajes públicos con más presencia en los medios y cuya vida privada más interés despierta. Explica además que el nacimiento de su hija Shiloh y sus buenas acciones en las naciones empobrecidas de África y su belleza incomparable llevan a que la gente la comparen con una deidad. Una imagen que se corresponde con la historia bíblica de la Virgen María, a quien se retrata como una mujer de increíble belleza, que dio a luz a un niño venerado y comprometida con los desamparados.

En la obra, Angelina Jolie aparece retratada como una Virgen bajo un haz de luz, con su hija Shiloh en brazos y rodeada de sus hijos adoptivos Maddox y Zahara. Debajo de ellos y separados por una nube, varias personas andan por un supermercado. Una imagen que ya ha despertado la polémica, fiel al estilo de la angelical Angelina.

Candide

El superintendente y director artístico de La Scala de Milán, Stéphane Lissner, ha vuelto a programar la versión de Robert Carsen del 'Candide', de Leonard Bernestein (1918-1990), con textos de Voltaire, que el pasado 28 decidió suspender, según asegura hoy miércoles el vespertino 'Le Monde'.

La obra, uno de los éxitos del fin de año parisiense, presentaba en algunos momentos a sus intérpretes bajo las caretas de conocidos líderes políticos como Blair, Putin, Bush, Chirac y Berlusconi. Todos borrachos, sobre una charca de agua negra, vestidos tan sólo con un bañador más o menos escueto, estampado con los colores de sus respectivas banderas nacionales, a juego con las corbatas. Una breve pero rotunda sátira que el comunicado divulgado a finales de diciembre minimizaba al anunciar la desprogramación de la obra, "por no estar en línea con la programación artística de La Scala".

Las cosas han cambiado en muy poco tiempo desde que el superintendente de La Scala, que desde 2005 es Lissner, "consideró, efectivamente", que el espectáculo que acababa de ver en París dos días antes "no encontraría su público" en Milán, según dice al diario. Pero después de haber hablado con Robert Carsen, "el director artístico está de acuerdo para replantear el espectáculo y hacerlo conforme a lo que el superintendente estima posible", añade.

El 28 de diciembre, el primer ex director del Real de Madrid (España), dimitido en 1997, precisaba que la decisión de suspender la representación de 'Candide' no se debía sólo a sus sátiras políticas, "que se reduce a una escena de tres minutos", sino a los textos añadidos por Robert Carsen. Son, afirmaba, demasiado largos, cuando la idea de la coproducción era acercarse al máximo a la obra original de Bernstein.

Convencido de que el espectáculo visto en París, "donde el espíritu de Voltaire está siempre vivo, no puede convenir a los milaneses por las mismas razones históricas", Lissner estima que "dirigir una casa con la tradición de La Scala exige realizar una síntesis entre pasado y modernidad, pero sin entrar en la provocación".

Sorprendido por estas opiniones, aunque comprensivo con "la dificultad de programar" 'Candide', el director de escena asegura a 'Le Monde' que, precisamente, su texto es un 20% el inicial. Además, "siempre estuvo fuera de toda duda que escribiría una nueva versión" para el coliseo milanés, entre otras razones porque los textos hablados deben ser traducidos al italiano. En cualquier caso, para Carsen, que ya trabajó en otras ocasiones en Milán, "el público de La Scala es suficientemente sofisticado como para comprender los propósitos de Voltaire".

La pieza, en cuya producción participa igualmente la English National Opera de Londres, está programada en La Scala del 20 de junio al 18 de julio.

Zubin Mehta en el Concierto de Año Nuevo

El público se ha rendido a uno de los maestros preferidos de la Filarmónica de Viena, el indio Zubin Mehta, en un sobrio Concierto de Año Nuevo 2007, uno de los ritos tradicionales para empezar el año a ritmo de valses, marchas y polcas.

Mehta, miembro de honor de la Filarmónica desde 2001, y que este 1 de enero se ha subido por cuarta vez al púlpito del la Sala Dorada de la 'Musikverein', ha dado durante el concierto la bienvenida a "dos países del Danubio, Rumanía y Bulgaria a la Unión Europea", saludando incluso en búlgaro y rumano.

Una de las novedades este año ha sido la participación por primera vez de una bailarina española, Lucía Lacarra, invitada para la grabación en directo de la versión televisiva en el palacio de Schönbrunn, residencia de verano de la mítica emperatriz Sissi y su esposo, el emperador Francisco José.

Mehta ha derrochado energía y conocimiento musical para ponerse, a los 70 años, al frente del emblemático concierto, seguido con devoción por unos 2.000 afortunados melómanos y por decenas, tal vez cientos de millones de telespectadores en casi 60 países.

El concierto se inició con la enérgica marcha 'Zivio', de Johann Strauss hijo, cuyo protagonismo este año fue menor en favor de su hermano Josef Strauss y de su padre Johann.

El concierto ha recuperado todo su repertorio tradicional de la saga musical Strauss, tras la inclusión de Mozart el año pasado por el jubileo del compositor, y ha contado sólo con una pieza ajena: 'Elfenreigen', del austríaco Josef Hellmesberger, como homenaje por el centenario de su muerte.

Pero dentro del clasicismo también ha habido renovación, como lo demuestra la inclusión de seis composiciones nunca incluidas hasta ahora en el evento, como las polcas 'Irene' y 'Matrosen', o el vals 'Flattergeister', de Josef Strauss.

Otras novedades han sido 'Einzugs-Gallop' y 'Erinnerung an Ernst', de Johann Strauss, esta última pieza, con la ayuda de varios guiños humorísticos, ha servido para demostrar el virtuosismo de los músicos y ha arrancado numerosos "bravo" de la sala.

Pieza especial ha sido igualmente el vals 'Wo die Citronen blüh'n', con un sutil toque mediterráneo, acompañado por las imágenes televisivas de la 'Palmenhaus', un elegante jardín botánico acristalado de finales del siglo XIX. Esta pieza fue seleccionada por Mehta, que la considera una "obra maestra", aunque especial devoción ha despertado la polca rápida 'Ohne Bremse' —de Eduard Strauss— que levantaba al público de sus asientos para ovacionar a los músicos.

El maestro indio ha demostrado su buena sintonía con la orquesta y con la música vienesa —no en vano se formó en la ciudad— para hacer una interpretación en la mejor línea clásica: un sonido ligero y delicado, pero cargado de melancolía y nostalgia.

Las escenas del ballet creadas para su emisión a los puntos cardinales del planeta contó con la coreografía de Christian Tichy y la participación de Lucía Lacarra, que aparecía junto a su marido, Cyril Pierre, al son de la música del más famoso de los valses, el 'Danubio Azul', compuesto en 1876 por Johann Strauss hijo. El escenario han sido los suntuosos interiores barrocos del palacio de Schönbrunn, del que la 'prima ballerina' española ha asegurado en declaraciones a la televisión austríaca ORF que "la primera vez que me probé el vestido me sentí como una princesa en un palacio de cuento de hadas".

Pierre y Lacarra —premio Nacional de Danza en 2005 y premio Nijinsky en 2002— tuvieron que ensayar cada detalle porque la grabación se hacía en directo y el seguimiento de la música del concierto sólo era por unos altavoces situados en el palacio.

Los inevitables acordes clásicos de la marcha Radetzky, de Johann Strauss padre, que ha contado con el acompañamiento con las palmas de los espectadores, han marcado como es habitual, el final del concierto.

Para los incondicionales de este evento, la versión grabada estará lista para la venta el próximo día 8 de enero, y será como es tradicional, un éxito de ventas para la Filarmónica.